A medida que avanzaba el siglo XX, los artistas continuaron alejándose de los ideales clásicos de la escultura tradicional en lo que respecta a la figura.
Ya sea experimentando con el movimiento, la abstracción o la fragmentación en de la forma corpórea, abrieron nuevas vías para expresar la profundidad psicológica, la resonancia emocional y los temas sociales, explica la casa de subastas Christie’s.
A través de estas técnicas, los escultores del siglo XX buscaron liberar la figuración de las expectativas convencionales, lo que les permitió capturar la esencia dinámica y multifacética de la vida moderna, sentando las bases para interpretaciones posteriores de la psique humana.
Reinterpretando la figura
Considerado el padre de la escultura moderna, Auguste Rodin (1840-1917) creó obras vigorosamente modeladas que se consideraron un cambio radical respecto de las convenciones académicas y el idealismo clásico.
Por qué nos encanta: Las obras de Rodin, Edgar Degas (1834-1917) y Alberto Giacometti (1901-1966) revolucionaron el arte figurativo al capturar la esencia de la forma humana de maneras sin precedentes. Sus enfoques innovadores (las formas dinámicas de Rodin, la capacidad de Degas para capturar momentos fugaces y las figuras alargadas de Giacometti) siguen ofreciendo perspectivas nuevas sobre una tradición atemporal.
Nombres a conocer: Henry Moore, Henri Matisse, Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi.
Idea sobre objeto
Los objetos cotidianos aparecieron por primera vez en los ensamblajes cubistas de Pablo Picasso (1881-1973) a principios del siglo XX y pronto se convirtieron en esculturas. En 1915, Marcel Duchamp (1887-1968) realizó uno de los gestos más innovadores de la historia del arte al designar objetos comunes relativamente inalterados como esculturas.
Movimientos posteriores como el surrealismo, el pop y el arte contemporáneo, priorizaron la idea por sobre la artesanía. Los practicantes de estos movimientos exploraron el potencial del objeto para evocar asociaciones inesperadas, criticar la cultura de consumo e invitar al humor, entre otros efectos.
Jeff Koons (n. 1955), New Hoover Celebrity IV, New Hoover Convertible, New Shelton 5 Gallon Wet/Dry, New Shelton 10 Gallon Wet/Dry Doubledecker, 1981-86. Cuatro aspiradoras, acrílico y luces fluorescentes.
Por qué nos encanta: Las esculturas de objetos encontrados de Marcel Duchamp (1887-1968) son inmediatamente provocativas y tienen una importancia histórica por ser las primeras de su tipo. Símbolos de rebelión intelectual y creativa, la obra de Duchamp combina ironía y relevancia cultural, invitando a los espectadores a cuestionar la autenticidad y la belleza del arte.
Nombres a conocer: Man Ray, Robert Rauschenberg, Jeff Koons, Damien Hirst.
Movimiento en el espacio
Los artistas han incorporado el movimiento a la escultura desde principios del siglo XX, con precedentes en las obras de arte ópticas y mecánicas del Dadaísmo y el Constructivismo. En la década de 1950, el movimiento se convirtió en el principio central de los practicantes del arte cinético.
Los escultores cinéticos incorporaron el movimiento natural o el movimiento mecánico a sus obras de arte para explorar el paso del tiempo, reflexionar sobre la importancia de la máquina en el mundo moderno y examinar la dinámica de la percepción.
Por qué nos encanta: Ya sea un Alexander Calder (1898-1976) flotando graciosamente en el aire o el espectáculo mecánico de una obra de Jean Tinguely (1925-1991), las esculturas que incorporan movimiento animan cualquier espacio con una sensación de dinamismo inesperado.
Nombres a conocer: Marcel Duchamp, Naum Gabo.
David Smith (1906-1965), Lunar Arc, c. 1961. Acero pintado.
Al aire libre
A medida que los artistas se liberaban de los confines de los espacios artísticos tradicionales a lo largo del siglo XX, la escultura al aire libre evolucionó más allá de sus orígenes en monumentos y memoriales públicos. Sin las restricciones de las paredes de las galerías, los escultores comenzaron a crear obras monumentales, a menudo abstractas, que utilizaban huecos o barreras para enmarcar o remodelar el paisaje circundante, que se convirtió en una parte integral de la obra de arte.
Por qué nos encanta: Las creaciones para exteriores de David Smith (1906-1965), que combinan precisión geométrica con resistencia industrial, crean un contraste cautivador con los paisajes naturales en los que habitan.
Nombres a conocer: Richard Serra, Mark di Suvero, Henry Moore, Anthony Caro, Louise Bourgeois.
Meditaciones sobre el minimalismo
El minimalismo surge en la década de 1960 con la premisa de que el arte debía poseer su propia realidad intrínseca, independiente de la imitación o la representación. Definidos por líneas limpias, formas geométricas simples y falta de ornamentación, los minimalistas buscaban despojar al arte de sus elementos esenciales, centrándose en la pureza de la forma y las cualidades inherentes de los medios elegidos.
Utilizando materiales industriales como el plexiglás o el aluminio, y empleando a menudo sistemas racionales o matemáticos para guiar la composición, estos artistas trastocaron las ideas tradicionales de artesanía y arte.
Por qué nos encanta: A través de las repetidas pilas geométricas de Donald Judd (1928-1994) o los relieves fluorescentes iluminados de Dan Flavin (1933-1996), las formas puras de la escultura minimalista interactúan sutilmente con la luz y el espacio, creando una atmósfera meditativa que transforma cualquier entorno con atemporalidad y rigor intelectual.
Nombres a conocer: Dan Robert Morrison, Sol LeWitt, James Turrell.
Izquierda: François-Xavier Lalanne (1927-2008), Barra única 'Grande Carpe', 1972. Chapa de hierro patinada, alpaca, madera pintada. Derecha: François-Xavier Lalanne (1927-2008), Importante par de 'Chameaux', 1974. Lana, cuero, aluminio patinado, metal pintado, goma espuma, madera.
Diseño renovado
En 1919, Walter Gropius (1883-1969) inauguró la Escuela Estatal Bauhaus en Weimar (Alemania). Al unir por primera vez las bellas artes y las artes aplicadas, la Escuela Bauhaus lanzó un nuevo marco de pensamiento que influiría en los escultores de vanguardia a lo largo del siglo, alentándolos a crear objetos funcionales que encontraran belleza en la simplicidad y la utilidad.
Más allá del alcance de la Bauhaus, los escultores que se involucraron con movimientos tan diversos como el expresionismo, el surrealismo, el biomorfismo y el minimalismo crearon obras de arte audaces que también eran objetos funcionales.
Por qué nos encanta: La obra de François-Xavier Lalanne (1927-2008), compuesta por esculturas a menudo funcionales, refleja un aprecio por la antigüedad fusionado con la inspiración surrealista. Sus asientos, barras, escritorios y mesas con formas de animales, por nombrar algunos, son famosos por su intrincada artesanía, dinamismo y extravagancia.
Nombres a conocer: Claude Lalanne, Isamu Noguchi, Alberto Giacometti, Diego Giacometti, Salvador Dalí, los hermanos Haas.
Regreso a la naturaleza
El arte de la tierra, también conocido como arte de la tierra o arte ambiental, surgió a fines de la década de 1960 cuando los artistas comenzaron a utilizar paisajes como material. Si bien la mayoría del arte de la tierra se creó directamente en el terreno (esculpiendo movimientos de tierra específicos del lugar o construyendo estructuras con materiales naturales como rocas, tierra o ramas), algunos llevaron su trabajo al interior, creando esculturas e instalaciones accesibles a un público más amplio.
Por qué nos encanta: El arte de la tierra tiene la poderosa capacidad de invitar a la introspección y al diálogo sobre la identidad humana, el origen y la naturaleza. Las creaciones profundamente personales y evocadoras de Ana Mendieta (1948-1985), que hacen referencia a la ascendencia, la feminidad y la impermanencia, abrazan la fisicalidad y la espiritualidad de la naturaleza.
Nombres a conocer: Robert Smithson, Andy Goldsworthy, Nancy Holt, Richard Long, Walter de Maria, Michael Heizer.
Izquierda: Henry Moore (1898-1986), Madre con niño en el regazo, concebida en 1982. Bronce con pátina marrón dorada. Calabaza, 2022. Plástico reforzado con fibra de vidrio y pintura de uretano, en tres partes. Derecha: Louise Bourgeois (1911-2010), Sin título, concebida entre 1947 y 1949 y fundida en 2002.
Capturando la psique
Tras la Segunda Guerra Mundial, los artistas han adoptado cada vez más un enfoque introspectivo de la escultura, examinando las complejidades de la condición y la psique humanas. Al ahondar en las emociones crudas, las narraciones autobiográficas y las preocupaciones psicoanalíticas, crean obras visuales y conceptuales brutalmente honestas que abordan cuestiones universales.
Por qué nos encanta: Las obras de arte que invocan la condición humana a través de la narrativa personal del artista pueden crear una sensación de comprensión y conexión con el propio artista. Las icónicas esculturas de calabazas de Yayoi Kusama (n. 1929) están asociadas con la infancia de la artista, que creció rodeada de campos de calabazas en la casa de su familia en Japón.
Nombres a conocer: Louise Bourgeois, Thomas Schutte, Alberto Giacometti, Henry Moore.
Investigando la identidad
En la actualidad, muchos escultores abordan el concepto de identidad para presentar experiencias vividas auténticas, cuestionar las percepciones sociales y criticar cuestiones sistémicas, a menudo aportando visibilidad y matices a grupos e individuos subrepresentados. Mientras cuestionan estereotipos y convenciones, exploran la raza, el género, la sexualidad, la nacionalidad, la herencia y otras facetas de la identidad.
Estos creadores ofrecen perspectivas diversas, fomentan el diálogo y crean experiencias significativas para los espectadores que se conectan personal y políticamente con sus mensajes.
Por qué nos encanta: Artistas como David Hammons (n. 1943) y Félix González-Torres (1957-1996) arrojan luz sobre las complejidades de la cultura y la identidad, al mismo tiempo que desafían las normas y amplían los límites de la escultura contemporánea.
Nombres a conocer: Simone Leigh, Jeffrey Gibson, El Anatsui.
Materialidad y artesanía
Si bien en los siglos XX y XXI surgieron los objetos encontrados y las esculturas fabricadas industrialmente, muchos escultores continuaron explorando técnicas tradicionales, fusionando la artesanía especializada con métodos experimentales. Al interactuar con sus materiales en un nivel casi espiritual (madera, vidrio, fibra o cerámica), revelan las cualidades intrínsecas y el potencial expresivo de su medio, permitiendo que la textura, el peso y la forma den forma al impacto de la obra de arte.
Estos escultores orientados al proceso invitan a los espectadores a meditar sobre la creación de cada obra, celebrando la belleza y la complejidad del material al tiempo que enfatizan el viaje transformador desde la materia prima hasta la escultura terminada.
Roni Horn (n. 1955), Sin título (“El sí sin el no”), 2009-10. Vidrio fundido macizo.
Por qué nos encanta: El alto nivel de artesanía en la escultura basada en procesos puede evocar una poderosa respuesta táctil, conectando al público con la experiencia de creación del artista. Desde las creaciones de vidrio ópticamente prístinas de Roni Horn (n. 1955), que tardan meses en perfeccionarse, hasta las obras de madera talladas a mano y que requieren mucho trabajo de Martin Puryear (n.1941) y que conservan gran parte de su carácter natural, estas obras reflejan un profundo compromiso con el material.
Nombres a conocer: Eva Hesse.