Hay un cierto tipo de inmediatez que puede capturarse en la fotografía de naturaleza muerta: el aroma de un cerillo apagado o el aroma de una bebida. Eso es algo que Irving Penn dominó. En Cigarette #37, New York, 1974, Penn eleva objetos que tradicionalmente no se consideran bellos, en este caso, un par de colillas de cigarrillo desechadas. Parte de una serie más grande de imágenes de artículos de basura recolectados en las calles de Manhattan, una refutación no tan sutil al flujo constante de imágenes publicitarias de artículos de lujo que le pidieron que fotografiara, comenta Rebecca Jones, jefa del Departamento de Fotografía de Christie’s.
Lo que hace particularmente interesante a gran parte de la fotografía artística es su inseparable conexión con la función: documentación, indexación y estudio científico. Los bodegones de flores de Penn, por ejemplo, exploran el tema de la descomposición, revelando la belleza de ese proceso.
Charles Demuth (1883-1935), Gladiolos rojos y amarillos, 1928. Acuarela y lápiz sobre papel. 50.8 x 35.6 cm.
Artistas modernos de diferentes medios se reunían en los mismos espacios, como la Galería An American Place de Alfred Stieglitz y la Galería Anderson. La fotografía adquirió gran influencia, y se puede apreciar una combinación de ideas –mediante técnicas como el recorte y el zoom– en las pinturas de este período. Por ejemplo, Charles Demuth utilizó el espacio negativo para aislar su tema, centrándose en el objeto y sus detalles. Mientras tanto, Georgia O'Keeffe experimentó con la escala, logrando que sus flores parecieran monumentales incluso en pinturas de tamaño más íntimo.— Paige Kestenman, Especialista Sénior, Arte Estadounidense.
Una de mis estampas favoritas es "Narcisos en maceta" (1980) de David Hockney. La obra transmite una quietud extraordinaria, lo que permite apreciar plenamente la gama de texturas que se pueden lograr mediante la litografía. Al observar las telas sobre la mesa, se puede apreciar el efecto del crayón litográfico y el rayado cruzado, en contraste con las líneas fluidas y oscuras del llamado tusche que representan los tallos de la planta. — Lindsay Griffith, Jefa del Departamento de Grabados y Múltiples
Irving Penn (1917–2009), Mujer en un palacio marroquí (Lisa Fonssagrives-Penn), Marrakech, 1951. Impresión en gelatina de plata virada al selenio, montada sobre tabla, impresa en 1992. Imagen/hoja: 39.1 x 38.7 cm.
A principios del siglo XX, la fotografía aún luchaba por ser reconocida como una bella arte. Alfred Stieglitz participó activamente en este esfuerzo, conectando con artistas de diversos medios no solo para aprender de ellos, sino también para exponerlos a las innovaciones fotográficas. Por eso es tan significativo el retrato que Penn realizó en 1948 del pintor John Marin: reconoció el papel de Marin en el Círculo Stieglitz, mostrando cómo los fotógrafos documentaron y se involucraron con movimientos artísticos más amplios.— RJ
Durante esta época, los artistas trascendieron los retratos tradicionales por encargo para explorar elementos culturales olvidados. Jacob Lawrence, el primer artista afroamericano en alcanzar reconocimiento nacional, destacó su Harlem natal a través de su arte. En esta escena festiva, las figuras visten corbata blanca, sombreros de copa y vestidos de gala. Sin embargo, la pintura se titula " Mujer Flor" (1948), y resalta la realidad cotidiana de las mujeres trabajadoras en el Harlem de la década de 1940. — PK
Pablo Picasso (1881-1973), Retrato de Jacqueline de Face II, 1962. Linograbado a color sobre papel Arches. Imagen enmarcada: 640 x 525 mm.
Pablo Picasso fue posiblemente el grabador más importante del siglo XX. Llevó cada técnica al límite, innovando constantemente y llevando el medio al siguiente nivel. Su retrato en linograbado de su esposa y musa, Jacqueline, posee una audacia y una fuerza increíbles. Exploró inicialmente la técnica del linograbado para sus carteles cerámicos y trabajó continuamente para perfeccionarla durante el breve periodo que los realizó, entre 1958 y 1963. — LG
Alfred Stieglitz fotografió Nueva York durante un período de rápida modernización a principios del siglo XX. La mano del hombre (1902) demuestra su capacidad para encontrar elegancia y analogía en algo común: una escena industrial cruda. Si bien conserva un enfoque pictorialista con tonalidades suaves y una atmósfera que recuerda a la pintura, su tema señala una transición hacia el modernismo y una estética precisionista, rica en implicaciones.— RJ
Stuart Davis (1892-1964), Estudio para «The Paris Bit», 1951 y 1957-1960. Óleo sobre lienzo. 71.1 x 91.4 cm.
Muchos pintores estadounidenses se sintieron atraídos por las audaces geometrías que surgían de los paisajes urbanos, así como por la convergencia de personas, culturas y arquitectura. Tomemos como ejemplo a John Marin. Su obra "Downtown New York from River" (1940) captura la energía de la ciudad: sus imponentes estructuras y las dinámicas relaciones entre ellas. Su obra transmite una sensación de movimiento y vitalidad, como si la ciudad misma estuviera viva.— PK
Cuando artistas pop, como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, comenzaron a usar la serigrafía en la década de 1960, se consideraba un medio puramente comercial; incluso hoy, la asociamos con letreros de calles, telas estampadas y anuncios. Sin embargo, Warhol y sus contemporáneos la transformaron en arte. La apropiación que Warhol hizo de la etiqueta de la lata de sopa Campbell's fue revolucionaria y se vincula con el debate más amplio sobre la producción industrial en masa y la cultura del consumo.— LG
Ansel Adams (1902–1984), Maroon Bells, cerca de Aspen, Colorado, 1951. Impresión en gelatina de plata, montada sobre tabla, impresa en 1974 para el Portafolio VI. Imagen/hoja: 39.1 x 48.9 cm.
La conservación era fundamental para Ansel Adams. Su obra se centra tanto en la creación de hermosas imágenes que celebran el paisaje estadounidense como en la preservación y protección de la tierra. Para Adams, lograr esa visión implicó perfeccionar cada aspecto de su técnica: dominar el encuadre, la impresión y la gama completa de blancos y negros. Incluso si la impresión final no coincidía con precisión con el negativo original, reflejaba lo que recordaba.— RJ
Algunos pintores buscaron refugio en la naturaleza y el paisaje estadounidense como contrapunto a la rápida industrialización que los rodeaba. Al igual que Ansel Adams, consideraron cuidadosamente el color y la composición, no solo para representar lo que veían, sino para capturar aquello con lo que más se identificaban. —PK.
David Hockney (n. 1937), Sin título #1, de La Suite Yosemite, 2010. Dibujo en iPad a color sobre papel avitelado. Imagen: 813 x 609 mm.
Warhol desafía cualquier clasificación. Si bien muchos consideran la fotografía, especialmente la Polaroid, su principal influencia, sus primeras impresiones revelan una fuerte conexión con el cine. Su serie Sunset (Atardecer) se inspira en su película homónima de 1964, ahora en la Colección Menil, que captura el sol desvaneciéndose en el paisaje. Es una pieza meditativa que se refleja directamente en las impresiones. Cada una de las 632 impresiones de la edición presenta una combinación de colores única, abstrayendo la puesta de sol y despojándola de su esencia.— LG