El estadounidense Roy Lichtenstein (1923-1997), precursor del Pop Art, es una de las figuras culturales más influyentes, disruptivas y reconocibles al instante de los últimos 50 años.
Basándose en imágenes comerciales y tiras cómicas, forjó una carrera de pintura radical en dos fuerzas aparentemente contradictorias: la imitación y la innovación. Elevó el arte comercial al nivel de “arte elevado” y, en el proceso, cambió el rostro de la cultura pop del siglo XX, comenta Morisa Rosenberg, directora de impresiones y múltiples en Bonhams en Los Ángeles.
Look Mickey (1961).
Inicios
Sus trabajos iniciales se basaron en el folclore estadounidense, personajes de narrativas medievales y fusionando movimientos con el modernismo. Tuvo su primera exposición individual en 1951, con un trabajo entre el cubismo y el expresionismo.
Mientras que Jackson Pollock, Mark Rothko y Franz Kline estaban en la nominalmente ‘seria’ Escuela de Expresionismo Abstracto de Nueva York, ocultos dentro de las obras abstractas y brumosas de Lichtenstein había personajes de dibujos animados como Mickey Mouse, Bugs Bunny y el Pato Donald.
A principios de la década de 1960, Lichtenstein comenzó a encontrar su ritmo; con Andy Warhol, Jasper Johns y Claes Oldenburg, se convirtió en una figura destacada en un nuevo movimiento: Pop Art. Los personajes representados en los puntos Ben-Day (creados por Benjamin Henry Day Jr.) llegaron por primera vez en Look Mickey (1961).
Lichtenstein tuvo su muestra inicial de pinturas de cómics en la Galería Leo Castelli en Nueva York en 1962, una exhibición que provocó una notoriedad y un éxito comercial casi instantáneos.
Whaam! (1963).
El lenguaje del arte pop
Lichtenstein obtuvo reconocimiento al inventar su propio dialecto dentro del Pop Art. Sus experimentos con imágenes publicitarias comerciales comenzaron en la década de 1940 cuando se apropió de motivos de cómics y medios. Aunque reunió un atractivo popular entre las audiencias masivas, no fue bien recibido por algunos críticos que lo vieron como superficial, poco original y trivial, y a Lichtenstein como un copista.
Su gran avance se produjo con obras como Drowning Girl y Crying Girl (ambas de 1963), versiones satíricas de pulp fiction melodramáticas de la época. A fines de la década de 1960, llegaron la aceptación de los museos: una retrospectiva itinerante en el Pasadena Art Museum en 1967, su primera visita europea al año siguiente en el Stedelijk Museum de Ámsterdam, y en 1969, una retrospectiva inicial en Nueva York en el Solomon R. Guggenheim Museum.
Mientras los expresionistas abstractos se enorgullecían de un pensamiento inaccesible y de pasiones y deseos no verbales, Lichtenstein estaba ocupado inventando su propio lenguaje.
Podría decirse que su pintura más célebre es una enorme de dos lienzos de 1963, que incorpora tanto un globo de diálogo como letras apiladas en diagonal. Mientras un avión explota dramáticamente en el panel de la derecha, letras diagonales fragmentadas citan el título onomatopéyico de la obra, ‘Whaam!’.
Crying Girl, 1963.
Proceso
El artista usó plantillas perforadas y serigrafía para replicar y exagerar el patrón de puntos sinónimo de impresión comercial. Los puntos Ben-Day, un formato utilizado por periódicos y tiras cómicas para denotar gradientes y texturas de manera económica, se convertirían en su marca, una fusión de reproducción industrial de bordes duros y pintura de bellas artes renderizada a mano.
En lugar de emplear la impresión offset (que habría producido un punto Ben-Day de forma natural), creó con los puntos Ben-Day, su motivo característico. Usando pintura al óleo y Magna (acrílico temprano), la paleta de colores de Lichtenstein era casi primaria: bloques de color altamente saturados y contrastantes que omitieron detalles y crearon un marcado impacto óptico.
El Cap de Barcelona, 1992.
Ideas
Las primeras pinturas pop de Lichtenstein tomaron prestadas y parafrasearon imágenes de dibujos animados y se basaron en la estética publicitaria, una referencia a la explosión de posguerra del consumismo masivo y el comercialismo visual omnipresente.
A mediados de la década de 1960, comenzó a parodiar no solo los mundos comerciales y de dibujos animados, sino también los clichés del arte elevado. En Brushstroke, (1965), le dio su propio giro irónico a los movimientos gestuales tan predominantes, y sagrados, en el expresionismo abstracto.
Un cambio inesperado de dirección se produjo en 1964, cuando giró hacia la escultura. Aunque la idea de las tres dimensiones parecía contradecir la pura e implacable planitud de sus pinturas, logró mantener la horizontalidad en obras posteriores como la escultura de bronce El Cap de Barcelona, 1992.
Reflection on Soda Fountain (1991).
Legado
Lichtenstein industrializó el impresionismo, suprimió el expresionismo y dio la vuelta al arte alto y bajo. Su obra es conocida por las tensiones que parecen coexistir: emoción y artificialidad; producción manual y mecánica; las bellas artes y el consumismo de masas.
Sus pinturas se encuentran en las colecciones de los museos más prestigiosos del mundo: Museum of Modern Art de Nueva York, National Gallery of Art de Washington D. C., Museum Ludwig de Colonia, y Tate Modern de Londres.